Décalquer : triche ou technique ?
- Par Jarrod
- Le
L’art, cette aire de jeu aux mille facettes pour l’esprit créatif, se présente comme un terrain fertile où l’expression individuelle fleurit. Néanmoins, il abrite également son lot de controverses. La pratique du décalque en est une illustre représentante. Vu par certains et par certaines comme une passerelle vers l’analyse et l’acquisition du savoir, d’autres le réduisent à une forme d’artifice, dénuée de toute imagination authentique.
Ce texte aspire à voguer au cœur de ces débats, en quête d’une compréhension nuancée du décalque. Il explore son essence, son rôle, et son empreinte sur le panorama artistique.
Origines et utilité du transfert d’images
Une pratique historiquement enracinée
Le décalque, loin de constituer une récente découverte, a perpétuellement imprégné le récit artistique. Il agit en silence derrière les scènes de chefs-d’œuvre reconnus.
Il autorise la transmission des savoirs à travers les générations. Cependant, il est également un outil de perfectionnement des observations tant anatomiques que naturalistes, à l’instar des méthodes employées par Leonardo da Vinci, attestées par ses carnets minutieusement détaillés (Isaacson, 2017).
Instrument d’éducation et de recherche
Le transfert d’images émerge en tant que technique précieuse, non seulement pour la pédagogie, mais aussi comme un vecteur d’étude et d’investigation. Il a incarné un rôle singulier dans les institutions artistiques de renom, s’immisçant dans les programmes académiques, afin de permettre aux apprentis de copier et d’analyser profondément les créations des illustres prédécesseurs.
L’art du décalque selon David Hockney
Dans « secret knowledge: rediscovering the lost techniques of the old masters », David Hockney éclaire l’importance persistante des méthodes de reproduction dans le panorama artistique.
Il suggère que les maîtres, armés d’outils optiques tels que la « camera obscura » ou « chambre noire », ont accédé à un niveau de précision remarquable dans leurs œuvres (Hockney, 2001).
Bien que son ouvrage ait suscité des controverses, il demeure une lecture fascinante à mon avis, notamment lorsqu’il avance que « La laitière » de Vermeer pourrait avoir été réalisée avec de tels outils. Cette supposition remet-elle en question l’authenticité et la beauté de l’œuvre ?
Le transfert dans le spectre de l’histoire de l’art
Dans « The Story of Art », E.H. Gombrich explore avec sagacité l’évolution de diverses méthodes artistiques à travers les âges, bien qu’il n’aborde pas spécifiquement le décalque dans son ampleur.
En déchiffrant les approches par lesquelles les artistes des différentes époques assimilaient, adaptaient et réinventaient des styles antérieurs, Gombrich expose subtilement l’importance fondamentale des mécanismes de reproduction et de transmission dans le domaine de l’art.
Le décalque, considéré dans ce contexte, émerge comme un instrument essentiel dans la conservation et la transformation des techniques à travers le temps. Il ne se contente pas simplement de faciliter la circulation des compétences et des inspirations d’une génération à l’autre, mais sert également de catalyseur à l’innovation et à l’évolution artistiques.
Les artistes, en puisant dans et en adaptant les œuvres de leurs prédécesseurs via le décalque, tissent un dialogue visuel à travers les époques. Ils honorent le passé tout en sculptant l’art contemporain et en modelant son futur. En écho aux observations de Gombrich concernant le changement perpétuel dans l’art, le décalque se révèle être un moyen à la fois d’hommage à la tradition et d’incursion dans des territoires créatifs inédits.
En définitive, les techniques de reproduction d’images sont devenues un élément déterminant, un mécanisme d’apprentissage et de découverte qui a façonné et reconfiguré les horizons artistiques à travers le temps. Leur reconnaissance peut amplifier notre compréhension de l’art et de la diversité des modalités expressives créatives.
Le décalque dans l’art contemporain
Un allié discret
Au sein de l’ébullition créative de la scène artistique contemporaine, le décalque persiste en tant que partenaire furtif, néanmoins essentiel. Ce pilier insoupçonné de l’art moderne donne aux concepteurs la liberté d’explorer en profondeur le processus créatif. Il se présente comme un intermédiaire entre la vision et sa concrétisation.
Des figures notoires telles que Banksy (ayant souvent fait appel au pochoir) ont employé cette technique pour imaginer des œuvres provocantes et défiant les normes sociétales. C’est notamment le cas dans « There Is Always Hope ». Il utilise cet art pour délivrer des commentaires sociaux mordants (Ellsworth-Jones, 2013).
En direction d’une expression individuelle
Bien que généralement associé à la reproduction, le décalque émerge également comme un moteur d’expression et d’innovation personnelles, servant d’outil d’introspection et de découverte, et mettant en exergue la créativité des artistes.
Certains, en traçant des esquisses, peuvent ainsi concentrer leur inventivité sur d’autres aspects tels que les couleurs et la réinterprétation.
Andy Warhol, fréquemment relié à l’exploration des techniques de réplique, naviguait avec aisance entre divers procédés de copie d’image et de production en série. Bien que n’employant pas le décalque au sens traditionnel, ses méthodes, en particulier la sérigraphie et la « blotted line technique », révélaient une fascination pour le transfert et la répétition d’images.
La sérigraphie consiste à transférer des images photographiques sur une toile via un écran de soie. Ainsi, elle permet de présenter des scènes à multiples reprises avec des variations subtiles. En effet, elle crée des motifs à la fois reconnaissables et symboliques, tels que les portraits de Marilyn Monroe ou ses fameuses boîtes de soupe Campbell.
Par ailleurs, la « blotted line technique », impliquant le transfert semi-aléatoire d’encre d’une page à l’autre, offrait un mariage entre l’unicité de l’artisanat et la répétitivité de la reproduction mécanique.
En exploitant les méthodes de copie et en brouillant les frontières entre l’original et la réplique, Warhol n’a pas seulement redéfini les dynamiques du monde artistique. En effet, il a également stimulé une réflexion intense sur l’authenticité, la valeur, et la signification de l’art dans une ère dominée par la consommation de masse et les médias omniprésents.
L’alliance de la technologie et de la tradition
Évolution du décalque : De la méthode ancestrale au virage numérique
L’art du décalque a subi une mutation notable avec l’essor de la technologie numérique. Ce qui était auparavant un procédé manuel et méticuleux s’est transformé radicalement.
L’ère traditionnelle
Traditionnellement, le décalque faisait appel à l’emploi de papiers calques, où les créateurs plaçaient une feuille translucide sur une réalisation préexistante et en suivaient les formes et détails manuellement.
Cette méthode a soutenu de nombreux artistes dans l’apprentissage et la reproduction de compositions complexes, et faisait également office de moyen pour transférer des motifs d’un support à l’autre. Et pas seulement cela, le papier carbone, la camera oscura, et d’autres techniques étaient aussi de la partie.
En 1525, Albrecht Dürer, à travers son oeuvre, suggérait fermement que des aides optiques assistaient les artistes dans l’atteinte de leurs aspirations en termes de perspective, de réalisme et autres.
L’avènement du numérique
Avec l’explosion de la technologie numérique, le décalque a acquis une autre envergure. Les tablettes graphiques et les logiciels de dessin assisté par ordinateur (DAO) ont introduit le concept de décalque numérique.
Les artistes peuvent désormais importer une image dans un logiciel de dessin, créer un nouveau calque par-dessus, et suivre les contours avec précision à l’aide d’un stylet numérique. Cette innovation propose une exactitude et une efficacité sans précédent, tout en permettant une modification aisée.
Les logiciels révolutionnaires
Des logiciels tels qu’Adobe Photoshop et Illustrator, CorelDRAW, et Autodesk SketchBook ont intégré des fonctionnalités de décalque qui facilitent la création artistique. Ils proposent des outils sophistiqués qui assistent dans le traçage minutieux des images, la modification des courbes et l’ajustement des détails.
L’impact sur la communauté artistique
La transition du décalque traditionnel vers le numérique a eu un impact profond sur la communauté artistique. Non seulement elle a simplifié la technique du décalque, mais elle a aussi élargi les perspectives pour les artistes. Elle autorise l’exploration de nouvelles voies créatives. En outre, le décalque numérique pave la voie à une collaboration en ligne entre artistes, transcendant les frontières géographiques.
L’évolution du décalque symbolise la fusion harmonieuse entre la tradition et l’innovation. Alors que le décalque classique conserve sa place, le décalque numérique étend les limites de la création artistique. Il fournit aux artistes contemporains des outils robustes pour exprimer leur inventivité.
Les dérives et risques du décalque
Dépendance et imitation
Le décalque, s’il est mal utilisé, peut engendrer une addiction. En effet, il peut conduire à une imitation excessive, menaçant de transformer l’art en un simple écho de l’existant, privé d’originalité. Afin de préserver l’authenticité, l’artiste doit aller au-delà de la reproduction. Il doit s’aventurer dans les territoires inexplorés de la création (Cascone, 2019).
Perte de l’essence artistique
Un usage irréfléchi du décalque peut compromettre la nature même de l’art. Il se réduirait dès lors à un acte mécanique et dénué de sincérité. L’essence de l’art, qui réside dans la quête de vérité et d’authenticité, risque d’être ébranlée si le décalque est utilisé de manière disproportionnée (Dewey, 1934).
La recherche de l’équilibre
Le décalque exige une navigation minutieuse entre l’inspiration et la création. Les artistes doivent percevoir le décalque comme un tremplin vers l’inconnu, et non comme une finalité en soi.
La responsabilité de l’artiste
Chaque artiste est appelé à tracer sa propre voie, à définir ses limites, et à révéler sa vérité. Bien que le décalque puisse être un outil précieux, c’est l’artiste qui doit diriger la danse. C’est lui qui doit créer des œuvres qui résonnent avec son essence unique.
La réflexion sur les risques
Les risques associés au décalque, bien qu’importants, peuvent être maîtrisés grâce à une démarche respectueuse et consciente. En l’approchant avec discernement, les artistes peuvent en dévoiler le potentiel tout en évitant ses pièges. Il enrichirait ainsi leur pratique des échos du passé et des visions de l’avenir.
Conclusion : Le décalque dans la quête artistique
Le décalque se positionne de manière fascinante dans le vaste panorama des pratiques artistiques. Souvent en équilibre entre les éloges et les critiques, il demeure un protagoniste essentiel, agissant comme un pont entre le passé et l’avenir créatif.
Un outil multifacette
Le décalque dépasse sa simple fonction de méthode de reproduction. Il évolue en une alchimie délicate au sein de l’art. Il nourrit l’âme, forge l’esprit et catalyse la créativité. E.H. Gombrich, dans « L’Histoire de l’Art », éclaire sur le fait que le décalque a été utilisé à travers les âges par les artistes pour affûter leur technique et aiguiser leur vision (Gombrich, 1989).
Pour une connaissance profonde
Le décalque stimule la curiosité, élargit les horizons et révèle les nuances de l’art. Il nous invite à explorer et embrasser la complexité et la beauté de la création artistique. John Berger, dans « Ways of Seeing », suggère que la compréhension de l’art nécessite un œil observateur et un esprit ouvert (Berger, 1972).
Ce texte vise non seulement à informer et inspirer, mais aussi à induire un questionnement approfondi sur la valeur et le rôle du décalque dans l’art. Il aspire à rappeler que chaque technique et chaque outil a sa propre note à jouer dans la symphonie perpétuelle de la création.
Réflexion personnelle
Dans un monde saturé de préjugés et de jugements hâtifs, maintenir la singularité et l’inventivité de l’art se présente comme un acte rebelle. L’art, à mes yeux, est une échappée vers l’imaginaire et les émotions, un sanctuaire où l’esprit peut s’évader et s’exprimer avec une authentique liberté.
Nous possédons tous une palette unique de sensibilités et de désirs qui modèlent nos cheminements créatifs. Pour moi, c’est dans le processus de matérialisation que réside la plus grande joie, éclipsant même l’étape initiale de l’esquisse. L’art doit être un refuge, un baume, et une méditation.
Néanmoins, la maîtrise des fondamentaux reste vitale pour approfondir et clarifier nos œuvres. Seulement alors pouvons-nous déverrouiller notre imaginaire et affiner les compétences qui reflètent nos aspirations et nos buts.
Avec ces fondations fermes, chaque artiste peut naviguer à sa guise à travers l’étendue de la création artistique. L’art doit demeurer un espace de liberté et d’exploration, où tous et toutes sont en droit de manifester leur vérité sans craindre la réprobation.
C’est cette philosophie inclusive de l’art qui a le pouvoir de construire un monde imprégné de compréhension et de tolérance, un monde où la diversité des expressions est fêtée.
Et qu’en est-il à l’aire de l’intelligence artificielle ?
L’art, cette aire de jeu aux mille facettes pour l’esprit créatif, se présente comme un terrain fertile où l’expression individuelle fleurit. Néanmoins, il abrite également son lot de controverses. La pratique du décalque en est une illustre représentante. Vu par certains et par certaines comme une passerelle vers l’analyse et l’acquisition du savoir, d’autres le réduisent à une forme d’artifice, dénuée de toute imagination authentique.
Ce texte aspire à voguer au cœur de ces débats, en quête d’une compréhension nuancée du décalque. Il explore son essence, son rôle, et son empreinte sur le panorama artistique.
Origines et utilité du transfert d’images
Une pratique historiquement enracinée
Le décalque, loin de constituer une récente découverte, a perpétuellement imprégné le récit artistique. Il agit en silence derrière les scènes de chefs-d’œuvre reconnus.
Il autorise la transmission des savoirs à travers les générations. Cependant, il est également un outil de perfectionnement des observations tant anatomiques que naturalistes, à l’instar des méthodes employées par Leonardo da Vinci, attestées par ses carnets minutieusement détaillés (Isaacson, 2017).
Instrument d’éducation et de recherche
Le transfert d’images émerge en tant que technique précieuse, non seulement pour la pédagogie, mais aussi comme un vecteur d’étude et d’investigation. Il a incarné un rôle singulier dans les institutions artistiques de renom, s’immisçant dans les programmes académiques, afin de permettre aux apprentis de copier et d’analyser profondément les créations des illustres prédécesseurs.
L’art du décalque selon David Hockney
Dans « secret knowledge: rediscovering the lost techniques of the old masters », David Hockney éclaire l’importance persistante des méthodes de reproduction dans le panorama artistique.
Il suggère que les maîtres, armés d’outils optiques tels que la « camera obscura » ou « chambre noire », ont accédé à un niveau de précision remarquable dans leurs œuvres (Hockney, 2001).
Bien que son ouvrage ait suscité des controverses, il demeure une lecture fascinante à mon avis, notamment lorsqu’il avance que « La laitière » de Vermeer pourrait avoir été réalisée avec de tels outils. Cette supposition remet-elle en question l’authenticité et la beauté de l’œuvre ?
Le transfert dans le spectre de l’histoire de l’art
Dans « The Story of Art », E.H. Gombrich explore avec sagacité l’évolution de diverses méthodes artistiques à travers les âges, bien qu’il n’aborde pas spécifiquement le décalque dans son ampleur.
En déchiffrant les approches par lesquelles les artistes des différentes époques assimilaient, adaptaient et réinventaient des styles antérieurs, Gombrich expose subtilement l’importance fondamentale des mécanismes de reproduction et de transmission dans le domaine de l’art.
Le décalque, considéré dans ce contexte, émerge comme un instrument essentiel dans la conservation et la transformation des techniques à travers le temps. Il ne se contente pas simplement de faciliter la circulation des compétences et des inspirations d’une génération à l’autre, mais sert également de catalyseur à l’innovation et à l’évolution artistiques.
Les artistes, en puisant dans et en adaptant les œuvres de leurs prédécesseurs via le décalque, tissent un dialogue visuel à travers les époques. Ils honorent le passé tout en sculptant l’art contemporain et en modelant son futur. En écho aux observations de Gombrich concernant le changement perpétuel dans l’art, le décalque se révèle être un moyen à la fois d’hommage à la tradition et d’incursion dans des territoires créatifs inédits.
En définitive, les techniques de reproduction d’images sont devenues un élément déterminant, un mécanisme d’apprentissage et de découverte qui a façonné et reconfiguré les horizons artistiques à travers le temps. Leur reconnaissance peut amplifier notre compréhension de l’art et de la diversité des modalités expressives créatives.
Le décalque dans l’art contemporain
Un allié discret
Au sein de l’ébullition créative de la scène artistique contemporaine, le décalque persiste en tant que partenaire furtif, néanmoins essentiel. Ce pilier insoupçonné de l’art moderne donne aux concepteurs la liberté d’explorer en profondeur le processus créatif. Il se présente comme un intermédiaire entre la vision et sa concrétisation.
Des figures notoires telles que Banksy (ayant souvent fait appel au pochoir) ont employé cette technique pour imaginer des œuvres provocantes et défiant les normes sociétales. C’est notamment le cas dans « There Is Always Hope ». Il utilise cet art pour délivrer des commentaires sociaux mordants (Ellsworth-Jones, 2013).
En direction d’une expression individuelle
Bien que généralement associé à la reproduction, le décalque émerge également comme un moteur d’expression et d’innovation personnelles, servant d’outil d’introspection et de découverte, et mettant en exergue la créativité des artistes.
Certains, en traçant des esquisses, peuvent ainsi concentrer leur inventivité sur d’autres aspects tels que les couleurs et la réinterprétation.
Andy Warhol, fréquemment relié à l’exploration des techniques de réplique, naviguait avec aisance entre divers procédés de copie d’image et de production en série. Bien que n’employant pas le décalque au sens traditionnel, ses méthodes, en particulier la sérigraphie et la « blotted line technique », révélaient une fascination pour le transfert et la répétition d’images.
La sérigraphie consiste à transférer des images photographiques sur une toile via un écran de soie. Ainsi, elle permet de présenter des scènes à multiples reprises avec des variations subtiles. En effet, elle crée des motifs à la fois reconnaissables et symboliques, tels que les portraits de Marilyn Monroe ou ses fameuses boîtes de soupe Campbell.
Par ailleurs, la « blotted line technique », impliquant le transfert semi-aléatoire d’encre d’une page à l’autre, offrait un mariage entre l’unicité de l’artisanat et la répétitivité de la reproduction mécanique.
En exploitant les méthodes de copie et en brouillant les frontières entre l’original et la réplique, Warhol n’a pas seulement redéfini les dynamiques du monde artistique. En effet, il a également stimulé une réflexion intense sur l’authenticité, la valeur, et la signification de l’art dans une ère dominée par la consommation de masse et les médias omniprésents.
L’alliance de la technologie et de la tradition
Évolution du décalque : De la méthode ancestrale au virage numérique
L’art du décalque a subi une mutation notable avec l’essor de la technologie numérique. Ce qui était auparavant un procédé manuel et méticuleux s’est transformé radicalement.
L’ère traditionnelle
Traditionnellement, le décalque faisait appel à l’emploi de papiers calques, où les créateurs plaçaient une feuille translucide sur une réalisation préexistante et en suivaient les formes et détails manuellement.
Cette méthode a soutenu de nombreux artistes dans l’apprentissage et la reproduction de compositions complexes, et faisait également office de moyen pour transférer des motifs d’un support à l’autre. Et pas seulement cela, le papier carbone, la camera oscura, et d’autres techniques étaient aussi de la partie.
En 1525, Albrecht Dürer, à travers son oeuvre, suggérait fermement que des aides optiques assistaient les artistes dans l’atteinte de leurs aspirations en termes de perspective, de réalisme et autres.
L’avènement du numérique
Avec l’explosion de la technologie numérique, le décalque a acquis une autre envergure. Les tablettes graphiques et les logiciels de dessin assisté par ordinateur (DAO) ont introduit le concept de décalque numérique.
Les artistes peuvent désormais importer une image dans un logiciel de dessin, créer un nouveau calque par-dessus, et suivre les contours avec précision à l’aide d’un stylet numérique. Cette innovation propose une exactitude et une efficacité sans précédent, tout en permettant une modification aisée.
Les logiciels révolutionnaires
Des logiciels tels qu’Adobe Photoshop et Illustrator, CorelDRAW, et Autodesk SketchBook ont intégré des fonctionnalités de décalque qui facilitent la création artistique. Ils proposent des outils sophistiqués qui assistent dans le traçage minutieux des images, la modification des courbes et l’ajustement des détails.
L’impact sur la communauté artistique
La transition du décalque traditionnel vers le numérique a eu un impact profond sur la communauté artistique. Non seulement elle a simplifié la technique du décalque, mais elle a aussi élargi les perspectives pour les artistes. Elle autorise l’exploration de nouvelles voies créatives. En outre, le décalque numérique pave la voie à une collaboration en ligne entre artistes, transcendant les frontières géographiques.
L’évolution du décalque symbolise la fusion harmonieuse entre la tradition et l’innovation. Alors que le décalque classique conserve sa place, le décalque numérique étend les limites de la création artistique. Il fournit aux artistes contemporains des outils robustes pour exprimer leur inventivité.
Les dérives et risques du décalque
Dépendance et imitation
Le décalque, s’il est mal utilisé, peut engendrer une addiction. En effet, il peut conduire à une imitation excessive, menaçant de transformer l’art en un simple écho de l’existant, privé d’originalité. Afin de préserver l’authenticité, l’artiste doit aller au-delà de la reproduction. Il doit s’aventurer dans les territoires inexplorés de la création (Cascone, 2019).
Perte de l’essence artistique
Un usage irréfléchi du décalque peut compromettre la nature même de l’art. Il se réduirait dès lors à un acte mécanique et dénué de sincérité. L’essence de l’art, qui réside dans la quête de vérité et d’authenticité, risque d’être ébranlée si le décalque est utilisé de manière disproportionnée (Dewey, 1934).
La recherche de l’équilibre
Le décalque exige une navigation minutieuse entre l’inspiration et la création. Les artistes doivent percevoir le décalque comme un tremplin vers l’inconnu, et non comme une finalité en soi.
La responsabilité de l’artiste
Chaque artiste est appelé à tracer sa propre voie, à définir ses limites, et à révéler sa vérité. Bien que le décalque puisse être un outil précieux, c’est l’artiste qui doit diriger la danse. C’est lui qui doit créer des œuvres qui résonnent avec son essence unique.
La réflexion sur les risques
Les risques associés au décalque, bien qu’importants, peuvent être maîtrisés grâce à une démarche respectueuse et consciente. En l’approchant avec discernement, les artistes peuvent en dévoiler le potentiel tout en évitant ses pièges. Il enrichirait ainsi leur pratique des échos du passé et des visions de l’avenir.
Conclusion : Le décalque dans la quête artistique
Le décalque se positionne de manière fascinante dans le vaste panorama des pratiques artistiques. Souvent en équilibre entre les éloges et les critiques, il demeure un protagoniste essentiel, agissant comme un pont entre le passé et l’avenir créatif.
Un outil multifacette
Le décalque dépasse sa simple fonction de méthode de reproduction. Il évolue en une alchimie délicate au sein de l’art. Il nourrit l’âme, forge l’esprit et catalyse la créativité. E.H. Gombrich, dans « L’Histoire de l’Art », éclaire sur le fait que le décalque a été utilisé à travers les âges par les artistes pour affûter leur technique et aiguiser leur vision (Gombrich, 1989).
Pour une connaissance profonde
Le décalque stimule la curiosité, élargit les horizons et révèle les nuances de l’art. Il nous invite à explorer et embrasser la complexité et la beauté de la création artistique. John Berger, dans « Ways of Seeing », suggère que la compréhension de l’art nécessite un œil observateur et un esprit ouvert (Berger, 1972).
Ce texte vise non seulement à informer et inspirer, mais aussi à induire un questionnement approfondi sur la valeur et le rôle du décalque dans l’art. Il aspire à rappeler que chaque technique et chaque outil a sa propre note à jouer dans la symphonie perpétuelle de la création.
Réflexion personnelle
Dans un monde saturé de préjugés et de jugements hâtifs, maintenir la singularité et l’inventivité de l’art se présente comme un acte rebelle. L’art, à mes yeux, est une échappée vers l’imaginaire et les émotions, un sanctuaire où l’esprit peut s’évader et s’exprimer avec une authentique liberté.
Nous possédons tous une palette unique de sensibilités et de désirs qui modèlent nos cheminements créatifs. Pour moi, c’est dans le processus de matérialisation que réside la plus grande joie, éclipsant même l’étape initiale de l’esquisse. L’art doit être un refuge, un baume, et une méditation.
Néanmoins, la maîtrise des fondamentaux reste vitale pour approfondir et clarifier nos œuvres. Seulement alors pouvons-nous déverrouiller notre imaginaire et affiner les compétences qui reflètent nos aspirations et nos buts.
Avec ces fondations fermes, chaque artiste peut naviguer à sa guise à travers l’étendue de la création artistique. L’art doit demeurer un espace de liberté et d’exploration, où tous et toutes sont en droit de manifester leur vérité sans craindre la réprobation.
C’est cette philosophie inclusive de l’art qui a le pouvoir de construire un monde imprégné de compréhension et de tolérance, un monde où la diversité des expressions est fêtée.
Et qu’en est-il à l’aire de l’intelligence artificielle ?
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